Les RABEATS

La FORET-FOUESNANT

14 Novembre 2008

Il existe dans le monde des centaines de « Cover Bands » spécialisés dans le répertoire des Beatles. Certains poussent le bouchon jusqu’à ressembler au plus près du célèbre quatuor. Les Rabeats sont de cette trempe. Costumes d’époque, coupes de cheveux, bottines, décor : rien n’est négligé.

Que penser de cette démarche ? Si l’on pense aux clones d’Elvis Presley ou en France de  Johnny Hallyday ou de Claude François (voir le film « Podium »), l’on est en doit d’être, pour le moins, circonspect. Le mauvais goût est au rendez-vous et l’entreprise ridicule par principe.

J’ai pu entendre ou lire, ici et là, quelques avis différents sur la question. Puisque l’on n’a aucune chance de voir les Beatles en concert, pourquoi ne pas se satisfaire de cette reconstitution ?

Le mieux était de constater sur place.

Premier constat : la jolie salle Nautilus de la Forêt-Fouesnant n’est pas le Shea Stadium et le public des Rabeats n’a rien des jeunes filles hystériques que l’on peut voir dans les documentaires qui se respectent. Le public du Nautilus est familial et la moyenne d’âge doit osciller autour de 55 / 60 ans. Ce préambule n’est pas en soi une découverte mais il infirme le postulat évoqué plus haut : non, on ne peut se faire une idée d’un concert des Beatles. Il manque déjà le contexte.

Vers 21h15 le rideau rouge s’ouvre sur les Rabeats. Costumes sans col époque 1963, coupes de cheveux millésimées 1965. Les instruments sont, eux aussi, identiques à ceux des Beatles première période : Batterie Ludwig perchée sur une estrade, Basse violon Höfner, guitares Rickenbaker et Gibson. Les amplis Vox sont là aussi. Vraiment parfait. Le décor est en noir et blanc et les images projetées sur le rideau du fond évoquent les rayures des films d’époque. Niveau visuel, vraiment, c’est du 20/20 ! Evidemment, les Rabeats n’ont pas poussé le bouchon à recourir à la chirurgie esthétique pour se rapprocher encore de leur modèle. Mais tout de même, le résultat est bluffant.

Question musique, c’est tout aussi excellent. Le son est parfait, les arrangements rigoureusement conformes et les musiciens en place. On se doute bien que dans un tel océan de louanges, arrive maintenant le moment de la critique. Sans plus attendre, la voici. Le groupe ne compte qu’un chanteur, Sly, qui interprète à lui seul l’ensemble du répertoire. Difficile de retrouver les intonations à la fois de John, Paul et Georges (sans oublier Ringo). La voix du chanteur des Rabeats n’est pas désagréable et monte bien quant il le faut, mais elle ne ressemble guère à une aucune voix des Beatles.

Entre les chansons, rien que des tubes bien sûr, le chanteur s’adresse au public en anglais. Sans doute pour renforcer l’illusion. Ceci dit, avec son accent bien français – les Rabeats sont d’Amiens – on comprend sans problème les interventions non dénuées d’humour.

Fin de la première partie, une quinzaine de chansons consacrées à la période 1962/1966.

Vingt minutes plus tard, le groupe revient. Cette fois, il arbore les costumes du Shea Stadium de 1966. On se doute que cette seconde partie sera dédiée aux années 1967/1969 et on ne se trompe pas. Les Rabeats s’attaquent ici à du lourd. Car on sait que Beatles ne donnaient plus de concerts et passaient leur vie en studio. Difficile voire impossible de reproduire ce travail de studio en concert avec des instruments électriques traditionnels sans ajouts de sons externes. C’est pourtant le challenge que relève le groupe. Et moi je dis : chapeau ! C’est là que le groupe, à mon sens, se révèle et se lâche. Compensant le format minimaliste du quatuor (c'est-à-dire pas de section de cuivres, pas d’orchestre symphonique, pas de Billy Preston aux Claviers, pas de Mellotron ni de Georges Martin pour bidouiller les sons) les Rabeats prennent des libertés avec les arrangements et osent enfin sortir du cadre. Ils nous offrent ainsi des versions vraiment très belles et inspirées de « I’m The Walrus »  ou encore « I Want You » (une partie de basse énorme). Ils osent même, sans ridicule et avec les honneurs, interpréter « A Day In the Life ». Les Beatles des dernières années expérimentent à tout va, explorent dans tous les sens. Les Rabeats ne négligent aucune facette, allant jusqu’à interpréter le violent « Helter Skelter » avec rage et guitares saturées, prenant le risque de défriser un public plutôt sage. Les consensuels « Hey Jude » et « Let It Be » (Sly au piano) ramènent vite l’ordre et le calme.

Le concert s’achève par un double rappel énergique (Get Back, Twist and Shout, Rock&Roll Music) avec des solos de batterie et de basse qui nous confirment, mais était-ce nécessaire, la virtuosité des instrumentistes. 

Pour achever le tout, Sly, seul, nous joue « Goodnight » une chanson rare de l’album blanc.

A mon avis, pour cette seconde partie, des costumes plus flowers power avec chemises à jabots eurent été mieux appropriés.

En deux heures et une bonne trentaine de chansons, les Rabeats ont bien balayé le répertoire. Evidemment, on ne ressent pas le frisson qui nous parcoure lorsque l’on voit Paul McCartney, en chair et en os, arriver sur la scène de Bercy. Mais, tout de même, le bonheur d’entendre un joli florilège des titres des Beatles, avec des tubes mais aussi quelques chansons moins connues, n’est pas à bouder. Et c’est un public rassasié qui sortait de salle, chacun évoquant les albums auxquels se référaient telle ou telle chanson, les hommes faisant un subtil étalage de leur érudition tandis que les femmes trouvaient les musiciens « si mignons dans leurs petits costumes ». Un bel hommage aux Beatles en tous cas.

 Site : http://www.rabeats.com/

THE BLACK CROWES
WARPAINT
2008 (Silver Arow records)

On dirait le sud... 

Un peu d’histoire

Il fut une époque où le rock était géographique. Sur l’échiquier international, le roi était bien sûr à Memphis (Le King) mais c’est tout de même la reine qui détenait la plus haute autorité. Et la reine, mesdames, messieurs, elle n’est pas ailleurs qu’en Angleterre. Avec les Beatles, les Stones, Led Zeppelin, les Who, Pink Floyd et j’en passe, la Grande Bretagne était souveraine et impériale. En Europe, on parlait éventuellement aussi du rock allemand (Can, Amon Düll, Krafwerk) et on rigolait du rock français, quand on osait aborder le sujet (en France on excellait dans un autre domaine : la pop avec le pygmalion Gainsbourg et nos chefs d’orchestre tels que Michel Colombier, Jean-Claude Vannier, fondateurs sans le savoir de l’Easy Listening).

De l’autre côté de l’Atlantique, tout ou presque se passe aux Etats-Unis. La géographie est simple : Nord, sud, est, ouest. Chaque point cardinal a sa spécificité. Au nord, l’influence de Motown et du bruit des usines automobiles : J. Geils Band, Stooges, Bob Seger. A l’est, New-York avec le Velvet Underground, les New-York Dolls, les Cramps tandis qu’à l’ouest, sur la côte californienne gorgée de soleil, les Beach Boy, les Doors, suivis des Eagles, Doobie Brothers, Grateful Dead…

Quand au sud, il mettra du temps à trouver sa place. Le sud c’est le blues, drainé sur le Mississipi, c’est aussi la soul de Memphis ou encore le jazz de la nouvelle Orléans.

Il faudra des explorateurs venus d’ailleurs, comme Jerry Wexler (du label Atlantic) et Al Kooper (du label Columbia) pour révéler les jeunes chevelus qui, dans une terre particulièrement conservatrice, ont osé le mariage du blues (noir) avec la country (blanche) dans un style moderne (le rock). Ce seront les Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, les Outlaws, Atlanta Rhythm Section ou dans le registre texan les ZZ Top.

Aujourd’hui qui se souvient de ces groupes ? Qui parle encore de « rock sudiste » ? Quelques nostalgiques has been qui continuent à suivre les sorties d’album de buveurs de bière à la barbe blanchie, coiffés de Stetson et égrenant sur scène les vieilles scies d’antan.

Laid Back

Et pourtant, le style sudiste vaut tellement mieux ! Une musique gorgée de chaleur, mêlant avec bonheur toutes les influences sans distinction d’origines raciales. On y sent la moiteur du bayou, le soleil sur les champs de coton tandis que, sur une guitare, un homme gratouille paresseusement un vieux blues. JJ Cale incarne parfaitement ce style laid back qu’adoptera Eric Clapton dès 1973 avec 461 Ocean Boulevard.

Mais les guitares savent se faire plus incisives lorsqu’il s’agit de chauffer à blanc un boogie et le sud sera le champion des groupes à deux, voire trois guitaristes solistes mêlant leurs instruments dans de torrides batailles.

The Black Crowes (nous y arrivons)

C’est parce que ce disque évoque furieusement le southern rock que cette longue introduction m’a semblé nécessaire. A dire vrai, je découvre tout juste The Black Crowes (Les Corbeaux Noirs) avec ce « Warpaint ». Le groupe n’est pourtant pas de la première jeunesse et son association exceptionnelle avec Jimmy Page (Led Zeppelin) en 2000 aurait dû éveiller ma curiosité. Formé en 1984 à Atlanta (Georgie), il sortira son tout premier album en 1990 et connaîtra, avec le second « The Southern Harmony and Musical Companion » en 1992, un très grand succès commercial aux USA. La carrière du groupe évolue ensuite entre des hauts et des bas, se séparant en 2002 pour refaire surface en 2005 et produire aujourd’hui ce nouvel opus, salué comme un retour en force.

Les frères Robinson, Chris (Chant) et Rich (guitare), leaders du groupe, pratiquent une musique « old school » qui n’évoque pas seulement le sud mais aussi le rock anglais de la fin des années 60. Prenons par exemple « Wee Who See The Deep » avec son riff qui semble tout droit sorti d’un album de Free. Sur d’autres plages on songera aux Rolling Stones tandis que la voix de Chris Robinson possède un timbre proche de celui de Rod Stewart.

Avec toutes ces références, qui reste-t-il aux Black Crowes ? On l’a compris, ce n’est pas de leur côté qu’il faut espérer découvrir les nouvelles tendances musicales. Mais, finalement, est-ce qu’on ne s’en tape pas un peu ? En revanche on trouvera chez nos corbeaux une inspiration évidente, de vraies chansons et un savoir faire certain. Warpaint est un album au style homogène, cohérant et bien construit.

Il suffit d’écouter « There’s Gold in Them Hills », ballade furieusement sudiste, pour se laisser convaincre : Le sud n’est pas mort et ses valeureux guerriers, exhalent, avec Warpaint, tout son charme.

Cyd Charisse est morte le 17 juin dernier. Ca n’a pas vraiment ébranlé les français. Bon, je ne demandais pas un deuil national, mais quand même. Même pas une petite redif. sur France 3 !

Mais que faisait donc Patrick Brion ?

L’actrice danseuse occupait une place de choix dans la constellation des stars d’Hollywood. Le cinéma des années 30 aux années 50 (après c’est encore bien mais c’est plus la même chose) connait une époque où le mot « glamour » trouve tout son sens, où les femmes sont nécessairement fatales et les hommes viriles. Lire ma critique de « la main au collet ».

Je ne vais pas refaire la filmographie facilement disponible sur de nombreux sites.

Dans ses films, Cyd Charisse a une classe, une tenue, une élégance. LA femme, sublime et sublimée. Une beauté exceptionnelle qui fait de chacune de ses apparitions un moment de grâce. Et puis cette paire de jambes, idéalement et magnifiquement sculptées. Rien de moins que ça ! Et même un peu plus car l’actrice joue dans la séduction et introduit dans un cinéma pudibond et conservateur un érotisme maîtrisé.

L’exemple parfait reste « Chantons sous la pluie » (1952). Voilà un film bon enfant, sympa comme tout. Et puis arrive la fameuse scène où, armée d’un porte-cigarette et de collants noirs, elle va mettre le danseur à ses genoux. Dès son apparition, le film bascule, le ballet devient torride et le spectateur, à l’instar de Gene Kelly, est captivé par les ondulations et le jeu de jambes explicite de l’actrice. Fascinant.

Tout aussi troublant, son jeu face à Fred Astaire dans « Tous en Scène » (The Bang Wagon-1953), réalisé par Vincente Minnelli, le maestro de la comédie musicale. Il existe une scène de danse, coupée au montage, d’une sensualité hypnotique.

On appréciera, ou non, pour son côté kitch, le désuet « Brigadoon » encore avec Gene Kelly, également de Minnelli, qui la dirigera à quatre reprises.

Cyd Charisse a marqué un genre, la comédie musicale, qui lui-même a marqué l’actrice au point que lorsque le « musical » tombera en désuétude, dès la seconde moitié des années 50, l’actrice chutera elle aussi.

Son dernier film majeur est, à mon sens, « Traquenard » (1958) un polar de Nicholas Ray où elle a pour partenaire Robert Taylor. Elle a alors 37 ans et est rayonnante. Ce film laisse entrevoir la possible carrière de l’actrice dans un nouveau registre pour elle.

Hélas, pour des raisons que j’ignore, Cyd Charisse ne connaitra plus le succès.

Et puis, il y a ce rendez-vous manqué : En 1962, elle figure au casting du film « Something Got To Give » aux cotés de Dean Martin et de… Marilyn Monroe qui décède pendant le tournage, laissant le film inachevé.

Elle avait 87 ans et avait donc cessé de tourner depuis longtemps. Je cherche une fin originale en évitant « Elle a disparu mais ses films restent ». Ceci dit, c’est pas faux non plus !

A consulter : un excellent site français, le bien nommé « Legs » (dont sont tirées les photos qui illustrent cet article)